Reportaje Central

• Lo publico v/s lo privado:

La Dicotomía Imperceptible

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La discusión es larga. ¿Qué es lo público? ¿Qué es lo privado? En este reportaje buscamos entender cómo esta constituido esta discusión en el mundo de hoy. Discusión que tiene, en la fotografía, uno de sus principales aliados para resolverla.

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En la actualidad, la separación entre lo público y lo privado que se apreciaba antaño se ha vuelto casi imperceptible. Aquellos mundos opuestos se transforman en una imbricación. Esta sintetización supone a su vez una redefinición de dichos mundos.

El académico de la Universidad de Chile y teórico en cultura visual, Carlos Ossa, define este nuevo escenario como una “desesquematización” de los conceptos clásicos de público y privado, donde se estaría dando una especie de falsa dicotomía, en la cual se establece que lo público es lo social, por tanto lo colectivo, y lo privado lo individual o lo personal. “En lo público, agrega Ossa, uno igual opera privadamente y en lo privado también se opera públicamente. Ya no es que la calle sea lo público y el hogar lo privado.”

Siguiendo esta tendencia, la fotografía no ha estado exenta de dicha imbricación. Lo que la fotografía vendría a evidenciar, en tanto documento testimonial, es aquel quiebre en la separación de ambos espacios, por tanto la redefinición de estos.

Este nuevo espacio estaría ahora inclinado, más bien, a la parte afectiva y emotiva. El teórico, plantea que estaríamos frente a un plano biográfico, en un nivel de lo privado que está dado por lo íntimo. Entonces nos encontraríamos frente a una segmentación del espacio privado, donde éste englobaría ciertos niveles, en los cuales se encontraría este espacio biográfico ligado a esa creciente necesidad que tiene el mundo actual por narrar “mi historia”.

La original noción de espacio biográfico tratada por Leonor Arfuch, académica de la Universidad de Buenos Aires, en su libro “El Espacio Biográfico. Dilemas de la subjetividad contemporánea”, da cuenta de la multiplicidad y la hibridación de textualidades que caracteriza la cultura contemporánea, donde lo vivencial, la "propia" experiencia es un valor privilegiado. Lo biográfico no sólo sería entonces una exaltación de lo narcisista o la intromisión a la privacidad sino que da cuenta de una nueva constitución del orden social, de una reconfiguración de la subjetividad contemporánea.


Fotografía en la web

Los clásicos y mecánicos conceptos de lo público y lo privado, en la fotografía, han sufrido una dislocación clara en la actualidad. Sin ir más lejos, en Internet existe un gran arsenal de fotografías que demuestran, a través de su propuesta, dicha dislocación.

Los fotologs, tan típicos de las generaciones que Fernando Flores, calificó como “nativos tecnológicos”, son la demostración más fuerte de esta situación. Por ejemplo, haciendo un recorrido rápido, nos damos cuenta que a través de esos medios los jóvenes ponen en un soporte universal sus sentimientos y deseos más íntimos. Diciéndolo con aquella vieja y usada figura, es una “publicidad de lo privado”.

No obstante, la calidad universal de este soporte se pone en entredicho cuando, durante el mismo recorrido, vemos que existe una codificación bastante singular entre los jóvenes, una que sólo ellos mismos entienden. Esto es lo que Carlos Ossa llama “una nueva forma de administrar el significado”.

Además, lo que podríamos llamar el “proyecto social moderno” invitaba más bien a precarizar lo privado en favor de lo público. Sin embargo, la sociedad actual, a través de los blogs y de los fotologs, ensalza la diferencia. “Se reivindica la diferencia y se singularizan las demandas”, afirma Ossa.

Por eso las fotografías ahora no sólo son de la vida de los burgueses, sino que cualquier persona puede fotografiar su cotidianeidad y ponerla al alcance de todos. Y esto habla de lo que algunos han llamado “la democratización de la fotografía”, fenómeno al que ayudan estos soportes y las cámaras digitales que están al alcance de la mayoría de los bolsillos.

Entrevista a Claudio Bertoni

"Volverte loco es el peor castigo que te puede pasar"

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Bertoni, de 61 años, es alguien atípico. Eterno enamorado del género femenino, poeta y fotógrafo a la vez, un artista innato sin pelos en la lengua. Pasa los días entre las grabaciones de sus creaciones, que luego pasa a papel, y sus fotos; todo apilado en una esquina de su casa en Cocón. Allí encuentra refugio contra el “mundillo” material y esos fuertes dolores de cabeza; secuela de la locura que aún lo acecha y que debe enfrentar constantemente.

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En la obra de Bertoni las imágenes son poemas y los poemas son imágenes, son un todo indisoluble que se inspira en la figura de la mujer. Para este artista “vivir es ver mujeres”, como dice en uno de sus poemas de "Jóvenes Buenas Mozas". En su trabajo se resume el espíritu del voyerista que colecciona momentos, imágenes de la intimidad, que nos hablan del vacío.

A Bertoni le gusta pensar en el aspecto nostálgico de la fotografía, “en algún sentido la fotografía es siempre una presencia que convoca una ausencia. La operación es dialéctica, la fotografía es posible, porque ya no existe una presencia”, reflexiona.

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Sus desnudos contienen un trozo de vida privada expuesta al público. “No fotografío a una "modelo", como un objeto a retratar, sino como el espejo de la intimidad que se expone en el desnudo”; una intimidad donde se incluye al él mismo.

Para él, el desnudo como vacío, como falta de presencia, y la mujer (sobretodo esta última) son su tema principal, diríamos que casi una obsesión. “Mirar a través del lente, como el tiempo, la vida, el amor, los afectos; todo se acaba."

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"Sólo quedan, para consuelo de consuelos, las mujeres. Yo las busco en todos los rincones posibles, en las manos gastadas de la cajera del almacén, en el retrato de esa primera mujer, la que no sabía gritar, en las imágenes difusas de nalgas y calzones, en todas partes busca a ella a la mujer chilena”, cuenta.

La locura fecunda en la soledad

“Crisis de pánico, desamparo absolutamente inexpresable, una sequía de creación”, es como define esa etapa de su vida, de la que aún quedan algunas secuelas como los permanentes dolores de cabeza que sufre.

-¿Qué pasó contigo en ese tiempo?

Yo dejé de escribir en el acto... mira, yo tenía la sensación de que una enorme boca me estaba absorbiendo la cabeza como un plato de tallarines. Dejé de escribir, leer, cualquier cosa que fuera mas heavy que el Condorito me hacía arrancar. Andaba llorando en la calle. Volverte loco es el peor castigo que te puede pasar. Se produce una percepción de la realidad que es, cuando menos, intolerable. Y si no toleras algo, tení que terminar y la única manera es matarte.

En sus palabras se nota el miedo que le tiene a la locura, quizás porque ha estado demasiado cerca de ella. Lo cautiva, lo intimida, pero está dispuesto a luchar contra su influencia.

Al reflexionar sobre esos difíciles momentos, encuentra el origen de su mal en la soledad en la que ha vivido acompañado. Parece una ironía, pero así es su vida y su obra, rodeado de mujeres pero solo. “Al menos está la familia. Si ellos no hubiesen existido yo creo que no estaría aquí. Hay que decirlo, la cabeza es el infierno”, reconoce Bertoni.

Sin embargo, el hogar que no formó y el hijo que no ha tenido no dejan de ser un tema que lo persigue. Con sus parejas -por lo demás, siempre muy menores que él- ese siempre ha sido el problema. "Yo también quiero tener un hijo y esa es la contradicción maldita. No soy hipócrita, porque si bien puedo vivir en una pieza echado toda mi vida -no requiero ropa y vivo con muy poca plata-, por otra parte necesito la ternura y el sexo que se tiene con una pareja".

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Aunque Bertoni parece indefinido en cuanto al amor, considera que es muy importante que este tome el lugar primordial que le corresponde, ya que en la cultura pareciera estar ausente. “Estamos en un tiempo súper terrible, la gente usa los minutos de su vida de la manera más imbécil. Los huevones tienen la atención puesta en huevás materiales, que los medios de comunicación incentivan. Pensar que son una huevá increíble y están usados de la peor manera”, comenta.

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Definitivamente Bertoni no quiere ser de esa clase de gente, él prefiere recoger zapatos abandonados -lo que lo ha llevado a tener casi dos mil zapatos viejos y retorcidos-, grabar sus pensamientos, que “alguna vez” trascribirá al papel y buscar musas para sus fotos; en fin, vivir sencillamente.

Reportaje sobre Nan Goldin

De Baladas y de Intimidad

Nan Goldin es una importante fotógrafa estadounidense, nacida en 1953 en la capital del país norteamericano, Washington D.C. Durante la infancia deja a temprana edad su casa, debido al suicidio de su hermana, lo que produce una fractura en su familia.

Crece entre varias familias adoptivas en Nueva Inglaterra, asistiendo a la Salva Community School, una escuela experimental del área de Boston. Y es en este lugar donde tiene su primer acercamiento a la fotografía a los 15 años.

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A los pocos años, inspirada “en las imágenes de las revistas de moda”, empieza su pujante carrera como fotógrafa profesional. Justo cuando los años setenta comenzaban su trabajo también empezaba a desarrollarse.

En esos años también Goldin frecuentaba la comunidad de Provincetown, un destino de vacaciones en el estado de Massachussets, que era muy popular entre los homosexuales de la costa este de su país.

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Es aquí donde conoce a personajes como Bruce, Sharon, Cookie y Waters, quienes serán centrales en sus fotografías durante los siguientes años. En 1978, entra al Museo de Bellas Artes en Boston. Es también el tiempo donde la fotógrafa comienza a trabajar con películas a color y las luces de flash.

En estas condiciones, Goldin se asienta en el barrio de Bowery en Manhattan donde encuentra el tema más importante de su fotografía: la narración de la vida sentimental y sexual del barrio. Aquí ella se encuentra con la explosión punk y una serie de fenómenos sociales que se daban en la época.

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Como bien señala Ignacio Iasparra, periodista del diario argentino "Página 12", el libro más importante de Nan Goldin, “La balada de la dependencia sexual” representa “todos los estados de ánimo, todas las emociones de las relaciones, en el marco de una generación que fue golpeada por el SIDA”.

Es un libro devastador. Una de sus series posteriores se llamó “La Balada en la morgue” que Nan Goldin presentó como el corolario de una época devastadora de su personalidad, que terminó con la fotógrafa en una clínica de desintoxicación y como la continuación de su preocupación por el tema de la intimidad.

Poco después de salir de la clínica, Nan Goldin abandona Estados Unidos para irse a Berlín a cuidar a un amigo enfermo de Sida. Actualmente, la fotógrafa vive entre la capital alemana, Yale y París, ciudades en las cuales hace clases.

La Historia Hecha Fotografía

Baldomero Alejos nos Muestra Ayacucho

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Ayacucho, pequeña localidad peruana que vivió lo mejor y lo peor del siglo XX. Épocas de gran desarrollo económico y tiempos de guerra civil conforman la historia de este lugar. Pero no fue hasta 2000 que se da inicio a la etapa de estabilización y recuperación de los negativos del trabajo del fotógrafo peruano Baldomero Alejos, transformándose en la única fuente de historia y costumbres de este pueblo perdido.

Desde 1924 y hasta 1976, el nativo de Amaupata se dedicó por completo a registrar la vida cotidiana de esta comunidad. Grandes familias terratenientes, entre las que destacan los Parró, Protzel, Añaños, Canales y Alarcón, junto a campesinos e indígenas tuvieron que posar ante la ingeniosa e intimidante lente de Alejos.

Este es el trabajo que la Estación Mapocho ofreció en la sala de fotografía Joaquín Edwards Bello durante el mes de abril. Impresiones hermosas y de gran calidad no permiten pensar que se trata de negativos casi perdidos, de películas del siglo pasado que por poco no salen de la colección personal del hijo del fotógrafo, Walter.

Gran tratamiento del blanco y negro demuestran la experticia de este fotógrafo que sólo terminó la educación primaria. A pesar de la fotografía estar, principalmente, en manos de burgueses europeos, Alejos no titubeó en su labor, llegando a producir más de 60 mil valiosas imágenes.

La identidad de este pueblo es tan bien mostrada que sin problemas pasamos de las altas clases a los pobres que no tienen ni zapatos, lo que da cuenta de la compleja sociedad que en esos años existía, no sólo en Perú, sino en toda Latinoamérica. Así el testimonio se transforma en la propia historia del continente, en sus costumbres cristianas de Semana Santa, en las ropas de fiesta, en las miradas honestas pero asustadas de hombres y mujeres, en la alegría de las familias, en la desesperación de los pobres y en las prácticas sociales que parecían tan locales y aisladas pero que se expresan en toda una cultura latino-indígena.

Incluso de antropológico y sociológico se ha tildado el trabajo de este fotógrafo. Pero no por eso estamos hablando de un discípulo del naturalismo estético. El peruano también destaca por ser un maestro del retoque de luz y de las características físicas de sus retratados. Él mismo dice: “más cabello para quien le faltara, uniformidad facial para quien no la tenía y asesino de arrugas de vanidosas mujeres”.

De esta manera cobran vida sus fotografías, en una mezcla de testimonio fiel de la realidad y un manejo estético en pos de la identidad propia del pueblo de Ayacucho. Trabajo insuperable si queremos entender un poco más sobre lo propiamente latinoamericano, lo que nos une como cultura y que, tantas veces debido a la interconexión global, parece haber sido olvidado.

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Sitios de interés:

www.archivoalejos.org

www.ayacuchoperu.com

Cayetano Arcidiácono en Chile

El Devenir de la Luz y la No Luz

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Blanco y negro. Blanco y negro se vuelven inseparables en la obra del argentino (mendocino) Cayetano Arcidiácono. Es que la luz y su ausencia total son tratadas de manera espléndida y prolija para producir en el abrumado espectador mucho más que placer estético, despertando sensaciones.

La fotogalería Arcos presenta su obra durante el primer semestre de este año, publicitando el trabajo de un reconocidísimo artista visual. Lo increíble surge cuando entramos a una sala, por lo general, vacía y de sopetón encontramos estos cuadros. Oscuros y fríos se presentan. La falta de textos informativos (ni siquiera llevan título) molesta en un principio… pero luego comprendemos. Comprendemos que sólo las fotografías son suficientes para decir lo que significan.

Al parecer es una exposición sin sentido, sin unidad de criterio. Pero mientras vemos las obras y reflexionamos, podemos construir ese criterio. Pero ¿qué es ese criterio si no la emoción producida en la experiencia visual? El sólo hecho de decir que una fotografía nos produce “frío” o “soledad” es una señal de la intención, escondida pero latente, del autor.

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Naturaleza, por un lado, humanidad, por el otro. Dos temas que se unen en el trabajo de Arcidiácono. Espacios solitarios, vírgenes y libres de la explotación del hombre se contraponen con invernaderos que parecen encerrar lo natural en redes productivas.

Las líneas del horizonte son tan protagonistas que el cielo y la tierra se unen en locaciones remotas y bellas. La pureza de estos paisajes se profundiza con los grises que tan bien define el fotógrafo. Adelante, al medio, atrás son dimensiones que el argentino maneja para crear distintos espacios perceptivos dentro de un mismo cuadro. Así es como micro realidades entran en contacto con el todo del plano.

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Sus fotografías son fotografía pura, tal como él dice. Y no cabe duda de tal afirmación ya que los tecnicismos que usa son aplastantes. Nitidez, saturación perfecta, contraste y luz generan unos blancos y negros únicos. Pero la virtud radica en que no aparecen de manera soberbia, como si fueran una demostración de profesionalismo y capacidad, sino todo lo contrario. La técnica deviene natural, sutil y precisa.

Cuando ya hemos pasado por lo menos tres veces frente a cada fotografía cuestionamos cuál era el tema o el centro del mensaje expuesto. Y la respuesta no es única. Por ahora nos atrevemos a decir que Cayetano Arcidiácono hace énfasis en la relación entre naturaleza y hombre.

Tal vez decir que el autor pretende mostrar la contradicción entre estas dos dimensiones es subjetivo… pero acaso, ¿no es subjetiva toda interpretación del mundo? Tal vez es sólo belleza.

Diarios electrónicos: el uso de la fotografía

Entre el Antiguo y el Nuevo Formato

Los diarios electrónicos se iniciaron sólo como una extensión del periódico tradicional, pero hoy ya son considerados como verdaderos medios de comunicación.

Estas primeras extensiones, que datan de 1993, no se parecían a sus ediciones impresas. La página principal era sólo un índice con las secciones y titulares. Sin embargo, "USA Today" apostó por una portada similar a la que utilizaba en su edición de papel. Esto no significó una simple copia de la portada del periódico, sino que la incorporación de una entrada y fotografías de las diversas noticias en la página inicial de la web.

A partir de esta innovación, la prensa estadounidense se dio cuenta del éxito que tenía la fórmula creada por USA Today. Se reconoció la importancia del diseño en el diario electrónico; incorporar textos y fotografías no sólo hacía atractivo al medio, también entregaba más información y permitía al lector jerarquizar las noticias.

A pesar del éxito del nuevo formato, no todos los diarios electrónicos lo utilizaron como modelo. Es el caso de El Mostrador, que aún recurre a un índice en su página inicial. Si bien las principales noticias tienen epígrafe, titular y entrada, no incorporan fotografías. Las únicas imágenes son publicitarias, y, seguramente, muchas miradas se desvían hacia éstas antes que a las noticias.

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El Observatodo, en cambio, le da un gran valor informativo y jerarquizador a la fotografía. La noticia principal tiene la fotografía de mayor tamaño, mientras que las demás siguen teniendo fotografías, pero más pequeñas. Además hay un tercer tipo de noticias que vienen en formato de índice. Esto indica un ordenamiento a través de la imagen.

Al seleccionar una noticia en el diario electrónico "El Mostrador", la mayoría no tiene fotografías. Por ejemplo, sobre los hechos acontecidos en la región de Aysén, "El Mostrador" no insertó imágenes de las consecuencias del terremoto, lo que pudo haber proporcionado mayor información al lector. "El Observatodo", en cambio, sí publicó una fotografía de Aysén en el momento que tembló.

Los diarios impresos deben seguir un modelo económico en donde las noticias se entregan en forma proporcional con los avisos. De esta manera se mantiene un bajo precio por copia de papel, pero significa que las decisiones diarias de la sala de prensa dependen de cuántas noticias tienen un espacio que las sustente. Es así como se prioriza el texto a la fotografía, la fotografía en blanco y negro y el tamaño de ésta. En cambio los diarios electrónicos pueden aprovechar las libertades que le entrega Internet, donde existe un espacio sin límites. Los diarios electrónicos deberían utilizar el recurso fotográfico, ya que no existen excusas sobre presupuesto o espacio.

De un simple retrato a un argumento

Como se dijo anteriormente, el diario electrónico "El Mostrador" en general no utiliza fotografías. En las noticias que sí las incorporaron sólo tuvieron la finalidad de retratar al protagonista del suceso. Por ejemplo, para informar sobre el cambio de fecha del show del cantante Gustavo Cerati, insertaron un típico retrato de él. Esto demuestra que se recurre a la fotografía sólo para mostrar al lector de quién se está hablando, algo más bien "objetivo".

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Pero la fotografía también tiene otras finalidades, como validar hechos que con palabras no se podría. Es así como "El Observatodo" en una columna de opinión sobre carabineros, colocó una fotografía no con la idea de retratarlos, sino como apoyo al argumento declarado. La imagen de un ciudadano siendo detenido violentamente fue una manera de evidenciar la columna sobre el abuso de poder, violencia y poca rigurosidad de los policias.

El diario electrónico "El Observatodo" recurre a la fotografía para jerarquizar, simbolizar, mostrar hechos y argumentar. Este diario le da mucho más valor a la fotografía, desde el formato hasta la noticia misma.

La fotografía acerca al lector a la noticia, pues por más que la descripción de un suceso sea excelente, la fotografía entregará un valor informativo inigualable. Se caracteriza por la perfección y plenitud de su analogía, lo que le otorga el valor de "objetividad o verosimilitud".